「我有一個想法」卡薩爾斯對我們說「學校總是教導孩子們，二加二等於四。但是人生中要學的不只這些。當我們提到眼睛，就應該向孩子們解釋 : 能夠看見，就是一個奇蹟。當解釋我們通過嘴巴來言語溝通就是一個奇蹟。還有我們的雙手，是多麼的奇妙！當每個詞語都能解釋明確，那麼每個孩子就會認識到：「我，是一個奇蹟 」

讀「The Joy of Music」便是受邀加入他與朋友間的對話，而他們討論的是我們都有的問題：到底「為什麼是貝多芬？」為什麼這位作曲家會成為了古典音樂的象徵，是因為他的音樂成就還是傳奇般的故事？為什麼音樂廳與音樂院裡貝多芬的雕像總是最顯眼且華麗呢？為什麼任何人提到古典音樂時總會提起貝多芬？

我真希望我們能回到以前，當掌聲仍是對音樂最直接的情緒反應，而不是個被規定的社會責任。當我聽到一首充滿熱情、激昂、炫技的樂章結束時，卻沒有人敢鼓掌，我總是有點驚訝。當貝多芬在譜寫我們今天在音樂廳裡所聽到的交響曲和鋼琴協奏曲時，他本人是預想著如果一個樂章是華麗的結束，觀眾們就會激動的全跳起來讓作曲家和獨奏家知道這場演出非常成功。

今年柯蒂斯音樂院的小提琴入學考如同往常的一樣在冬天舉行。然而幾年前，我們在報名表中加入了一個新內容，一個每個學生都要回答的問題：作為一個音樂家，你的最終目標是什麼？

首先，我想要強調「學生們都不一樣，所以也必須用不一樣的方法教學」這個原則，死板且單一的教學方法是錯誤的。重視自己教學使命的老師，如同優秀的心理學家，在每個學生身上發現新的挑戰與問題。仔細的觀察，清楚地了解美味學生的音樂性和個性。

由瑞士大提琴與作曲家托馬斯德門加仔細講述他對巴哈的理解，並回答常見的詮釋問題，包括羊腸弦的使用，抖音與裝飾音，反覆與否，以及舞曲風格「對我來說，巴哈是有史以來最偉大的音樂天才。他的音樂是純粹的，省略了生活中肥皂劇般的瑣碎情節。對他來說，音樂似乎像永無止境的瀑布一樣傾瀉而出。如果他找不到原譜稿件（比如他的孩子在玩耍之後放錯了位置），他就索性再寫一首新的」

當學生在專業生涯的起步時都會經歷極度的焦慮和緊張，因為想把一切都做正確且完美。但是那時她告訴我們，放手吧！停止控制一切。那感覺就像跳下懸崖一樣。

我想作曲家之所以標上節拍器記號是為了提出一個完美的速度。但是所謂完美的速度真的存在嗎？就算有，作曲家真的能夠靠著一個標記，憑空變出來嗎？所以節拍器，到底是我們的朋友還是敵人？就讓鋼琴家魯賓斯坦來回答這個問題吧！

十位知名音樂院教授親自道出他們評審時著重的特質，包括過人的演奏技巧，成熟的獨立思考，音樂詮釋特色與表達能力，持續成長的潛力，個性上的靈活性，語言程度，與他人合作的態度，以及是否具備在音樂職業生涯中謀生的必要條件等等，「我們秉持的原則是，在二十一世紀，音樂家在許多方面必須是全能的，而不只是一個會拉琴的工具人」

當錯音和音準問題越來越少，曲子的詮釋風格越來越相似，這樣的古典音樂是否真的與時俱進？還是，在我們像機器極近不健康的追求完美，且硬生生劃清作曲家及演奏家這兩個職業時，其實我們正在慢慢地扼殺古典音樂的精神？我們是否正在面臨從核心開始枯萎到外的危機？

在音樂會開始前，我接受的採訪都問了相同的問題「你會給即將進入音樂界的年輕人什麼意見？」所以我最想給年輕音樂人的建議就是... 世界上有無數優秀的人才，無論是音樂家還是參與音樂推廣的人。但是我們必須意識到，相反的，也有許多僅表面上對音樂無所不知的人...